Эффективность Public Relations: "Гениальные" мазилы

Автор: Редакция     Дата: 2014-12-28     Категория: рецензия



Источник

Если я возьмусь за кисть, и намалюю на холсте какой-нибудь пейзаж или портрет, то любой человек, посмотрев на моей произведение, может смело заявить: ну и мазня! И будет прав, ведь я не умею рисовать. Тем не менее, мою мазню можно было бы продавать за миллионы долларов, если бы у меня была репутация великого художника. Теоретически сложно представить, чтобы мои ненаписанные, но от этого не менее ужасные картины можно было бы раскрутить как великие произведения живописи и продать за "бешеные деньги". Но в реальной жизни подобное происходило, и не один раз – вторая половина 19 века и весь 20 век – это сплошное торжество мазни в искусстве.

С того момента, как зародилась современная живопись, отцом которой считается итальянец Джотто ди Бондоне (1267-1337гг.), и на протяжении нескольких следующих веков на первое место в оценке произведения ставилось мастерство художника в отображении реальности на любой пригодной для рисования поверхности (холсте, стене или доске). Фотографии тогда не существовало, но многим хотелось иметь свой портрет или изображение своих родственников в своем доме. Изображения окружающих лесов и полей также ценились. Мы и сейчас любим в своих квартирах развешивать репродукции разных картин, а кому материальное состояние позволяет, то и сами оригиналы. В средние века богатым людям тоже нравилось украшать стены домов и замков произведениями живописи, а некоторые из них собирали огромные коллекции. И многие это делали не потому, что увлекались живописью – просто это было очень круто по тем временам – иметь коллекцию картин. Если ты хотел выглядеть крутым, то ты не мог купить «Порше» или «БМВ», а вот купить и развесить картины по стенам – мог. И если ты был обладателем картин Рафаэля, Тициана и других великих живописцев – ты был невероятно крут! Кроме богачей в произведениях искусства нуждалась и церковь. Конечно, церкви не нужны были картины, изображавшие реальную жизнь, – ей были необходимы библейские сюжеты, которые бы выглядели как настоящие – как фотографии реальных событий (хотя про фотографии тогда и понятия не имели). Люди должны были верить в Христа, Марию, апостолов и других религиозных деятелей, а для этого библейские персонажи должны были выглядеть живыми людьми.

Какие были запросы заказчиков – такие были и картины. Чем изображение больше походило на настоящее, тем больше было шансов, что картину купят. Бредовые идеи, набросанные на холсте неумелой рукой, были никому не нужны. Никто не стал бы покупать свой портрет, который был бы не похож на оригинал, и уж тем более такой, который вообще не напоминал изображение человека. В те времена для написания портрета нужен был художник, овладевший ремеслом живописца. Не будучи профессионалом, ты не мог продать картины и заработать на жизнь. Тем же, кто коллекционировал картины, уже требовались не просто слепки с реальности – им хотелось заполучить эксклюзивные вещи, которые бы никто не мог повторить. То есть к реалистичному изображению художник должен был добавить что-то свое – некий уникальный стиль, чтобы его картина выделялась среди основной массы качественных ремесленных изделий. Это могла быть уникальная техника, как у Леонардо да Винчи, новаторское использование света и тени, как у Ван Эйка, фантастические образы, как у Босха…

15-17 века в Европе – это расцвет мировой живописи. К этому времени в экономически развитых странах Европы (Венеция, Флоренция, Нидерланды, Фландрия, Германия) появилось достаточное количество заказчиков картин – благодаря этому мы получили целую плеяду выдающихся художников, произведения которых и поныне украшают самые известные музеи мира. Наряду с такими общепризнанными великими живописцами Возрождения, как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело Буонарроти, в это время творили еще несколько десятков не менее выдающихся художников: голландцы Робер Кампен, Ян Ван Эйк, Иероним Босх, Питер Брейгель-старший, Питер Пауль Рубенс, Антонис Ван Дейк, Ян Вермеер, итальянцы Джорджоне, Тициан, Корреджо, Караваджо, немцы Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн младший, испанец Диего Веласкес... Все они имели оригинальную манеру отображения реальности, но при этом их объединяло то, что все они великолепно писали исключительно реалистичные картины. Реалистичные не по сюжету – те же библейские картины никогда не были таковыми. Я имею в виду, что, нарисовав человека, они изображали не плод своего больного воображения, а реальных людей. Если художник рисовал реку, то на картине была именно река – это было видно всем и каждому. Никому и в голову не приходило вместо реки прочерчивать какие-то линии и загогулинки, а потом уверять всех и каждого, что это именно река – нужно лишь отойти на полкилометра от картины и тогда станет виден замысел художника… Никто не рисовал какие-нибудь кубики или квадраты – якобы так он видит мир. Покупатели картин были люди простые, без образования – типа нашего Никиты Хрущева. Есть байка, что тот в свое время увидел выставку абстракционистов и, посмотрев на одну из картин, спросил: «А это что за жопа?». Замечу, что по поводу картин Рафаэля или Корреджо никто и никогда ничего подобного не говорил, включая Хрущева, – любому имеющему зрение понятно, что изображено на них: мадонны в образе благообразных женщин, а не какие-то жуткие и непонятные создания, как на картинах Пикассо. Каждый выдающийся художник был в чем-то новатором, но все новаторские приемы в живописи имели смысл только в том случае, если художник мог адекватно изобразить жизнь во всех ее проявлениях. Новизна в изображении использовалась ради реалистичности, а не сама по себе. Можно сказать, что живописцы пытались работать, как строители – у каждого дома должен быть фундамент, стены и крыша, а все эксперименты допускались только в этих рамках.

Как профессионалы, художники эпохи Возрождения достигли вершин в живописи. И можно смело сказать, что превзойти Рафаэля или Ван Эйка нельзя – их можно лишь повторить. Или создать что-то свое, что с годами стало все сложнее и сложнее. Уже в 17 веке выдающихся художников стало меньше, чем в 16 веке, а в 18-м их можно по пальцам пересчитать. На фоне мастеров Возрождения выделиться крайне сложно – это высший уровень мастерства, которого в принципе могут достигнуть лишь единицы.

И вот на таком фоне, когда ремесленников много, а выдающихся мастеров стало мало, происходит настоящая революция в мире искусств – «великие художники» стали создаваться искусственно. Такое было сложно проделать в средние века – без средств массовой информации пиар-технологии малоэффективны, поскольку информацию приходится передавать посредством слухов, которые ее искажают. Тем более, если речь идет о распространении информации на большие расстояния. Только СМИ могут быстро и эффективно создавать и внедрять в массовое сознание образ любого объекта (товара, бренда) как идеального и необходимого в жизни. Неслучайно, что когда во второй половине 19 века в жизни государств Западной Европы, которые уже вступили в эпоху промышленной революции, все большую роль начинает играть пресса, тогда же начинают и появляться «великие художники нового типа». Другими словами – мазилы.

Кто конкретно переориентировал покупателей живописи на откровенную мазню? Их очень много. В основном, это люди, которые занимались художественной критикой в средствах массовой информации, а также те, кто устраивал выставки. К примеру, критик Роджер Фрай «промывал» постимпрессионистов, француз Гийом Аполлинер способствовал продвижению к потребителям продукции Матисса и Пикассо. Но еще большее значение для рынка живописи имело то обстоятельство, что в мире появлялось все больше богатых коллекционеров – особенно во второй половине 20 века. В условиях, когда действительно выдающиеся произведения искусства находятся в государственных музеях или принадлежат церкви, которые не продают свои шедевры ни за какие деньги, из чего же собирать коллекции? – Из того, что считается модным. То, что становилось модным, то и приобреталось покупателями. А как создавалась мода на того или иного "живописца"? В основном все начиналось со скандала. В конце 19 века само по себе выставление на публике жуткой мазни под видом произведений искусства означало публичный скандал. Это было настоящим вызовом обществу. Люди, увидев «такое», возмущались, все это мусолилось в прессе и богемных местах, известность автора и его картин росла – так и появлялась мода на того или иного персонажа. Сначала в узких кругах, а потом, если повезет, то и широкая публика узнавала о появлении нового "великого живописца". «Если про тебя говорят – значит, ты существуешь" – вот основное правило пиара. Если ты становишься известен, то твои картины хоть кто-нибудь да купит – вне зависимости от их художественной ценности. Как только бездарный люд в богемной среде понял, что мазня – это тоже ходовой товар, так подобные картины буквально захлестнули рынок. Многие в будущем великие мазилы начинали с реалистичных картин, но вовремя переориентировались на мазню. А некоторым и ничего менять не нужно было – они изначально не умели рисовать.

В разные периоды возникала мода то на одно художественное направление, то на другое – импрессионизм, постимпрессионизм, абстракционизм, кубизм, экспрессионизм…. А мода – это главный двигатель торговли. Как только «художник» становился брендом – с тех пор все, что выпускалось под этим брендом, «разлеталось, как горячие пирожки». Не имело никакого значения, что именно малевал тот или иной «художник» – индустрия моды функционирует по другим законам, чем индустрия ремесленных изделий. Мода на того или иного мазилу, конечно, возникала не сразу, и поначалу «лавры» в виде огромных денег доставались не самим художникам, а покупателям картин. Безумные деньги, которые стали выкладывать за модную мазню на аукционах, появились только к концу второй половины 20 века. Огромное количество людей с шальными деньгами, полученными на мировых финансовых рынках, а также при разграблении госсобственности в России, просто не знали, куда их деть – в результате любые фекалии, размазанные по холсту, стали чрезвычайно ходовым товаром.

С кого же началось торжество мазни в искусстве ?

Дорогу импрессионистам и кубистам проложил англичанин Джозеф Тернер, который «творил» в первой половине 19 века. Единственным его достоинством как художника было то, что он не очень хорошо рисовал пейзажи. Были у него и почти неплохие картины, но известен он стал откровенной мазней типа полотна «Подплывая к Венеции».



Если бы Венеция была такой, как на его картине, то вряд ли бы к ней вообще кто-то поплыл… Тернер в свое время просто шокировал публику, благодаря чему и стал известен. Существует карикатура на него – Тернер стоит перед картиной с малярной кистью (которой красили заборы в то время) и что-то малюет…

Следующим эстафету подхватил француз Эдгар Дега – он умел рисовать, и иногда у него получались замечательные картины, но Эдгара почему-то тянуло малевать безобразнейших обнаженных баб, которые готовятся мыться, моются или только что закончили мыться.




За такие рисунки отчисляют с 1 курса художественного училища из-за профнепригодности, но Дега стал популярен во многом именно из-за них.

В конце 19 – начале 20 века количество мазил начинает резко увеличиваться.

В это время творят «великие импрессионисты» Клод Моне (которого не надо путать с хорошим художником Эдуардом Мане) и Огюст Ренуар. Ренуар умел рисовать, но его, как и Дега, часто заносило в откровенную мазню. Моне поначалу тоже пытался стать настоящим художником, но понял, что у него ничего не получится – в результате его можно назвать одним из самых ярких продолжателей дела Джозефа Тернера – пейзажи Моне почти так же ужасны, как у предшественника.




Его главный «шедевр» – это «Руанский собор, западный фасад в солнечном свете» – типичная детская мазня. В подобном «стиле» Моне наклепал много работ, и все они пользуются до сих пор популярностью: «Водяные лилии» (без названия сразу и не опознаешь, что это лилии на воде…) ушла на аукционе за 36,7 млн. долларов (2007г.), «Мост Ватерлоо» (на фото внизу) продана за 35,9 млн. долл. (2007г.),



«Пруд с кувшинками…» (по сравнению с «Мостом Ватерлоо» ее можно даже назвать картиной) – за 33 млн. долл. (1998 г.). Газета «Таймс» в 2009 г. провела опрос среди читателей, по результатам которого определила самых популярных художников 20 века – Клод Моне занял 4 место !

На рубеже веков за дело взялись уже и постимпрессионисты: Винсент Ван Гог, Анри Тулуз-Лотрек, Эдвард Мунк, Поль Сезанн, Поль Гоген, Густав Климт. Кто из них был более «великий», а иными словами более модный художник в наше время? У Сезанна есть по крайней мере одна картина, которую можно охарактеризовать как «интересную» – ее он написал в 27 лет. Дальше все пошло намного хуже – без просветлений, мазня за мазней. Тем не менее он точно не самый «великий». Цены на некоторые его картины исчисляются десятками миллионов долларов (самая дорогая из них – «Натюрморт с кувшином и драпировкой» была приобретена за 60,5 млн. долл. (!), но популярность его работ у коллекционеров явно уступает популярности работ Гогена и тем более Ван Гога. А вот читатели «Таймс» поставили Сезанна на 2 место среди художников 20 века!

Душевнобольной Ван Гог рисовал, как небесталанный 5-7 летний мальчик, который так и не повзрослел. Одно время он лечился в психушке, но это не помогло и, не дожив до 40 лет, он покончил жизнь самоубийством – его биография больше тянет на биографию «великого художника». И об этом свидетельствуют цены на его картины – 40,3 млн. долларов за жуткий портрет мадам Жину, 40,5 млн. долл. за «Подсолнухи», 47,5 млн. долл. за «Крестьянку в соломенной шляпе», 53,9 млн. долл. за «Ирисы», 57 млн. долл. за «Пшеничное поле с кипарисами», 71 млн. долл. за автопортрет, и 82,5 млн. долл. за «Портрет доктора Гаше». Этот Гаше, кстати, присматривал за Ван Гогом незадолго до его самоубийства – наверное, Ван Гог своим фирменным портретом решил отомстить докторишке за его работу.



Любовник Ван Гога Гоген рисовал, как мальчик чуть постарше, чем мальчик Ван Гога. Это явный минус для него как «великого художника». К тому же Гоген не был настолько сумасшедший, как Ван Гог, хотя в его биографии есть замечательный эпизод, когда он приехал к Ван Гогу погостить и в итоге отрезал ему ухо – вот это действительно весомая заявка на «величие». Тем не менее, спрос на картины Гогена не так велик, как на Ван Гога – всего несколько его картин были проданы дороже, чем за 30 млн. долларов.

Почти карлик Тулуз-Лотрек был без ума от безобразных французских шлюх, которых он и воплощал в своих не менее безобразных картинах. Если вы посмотрите на картину внизу под условным названием «шлюхи на осмотре», то будете иметь представление о творческой манере Тулуз-Лотрека.




Он скорее был мастером наброска, но написать полноценную картину так и не удосужился. По сравнению с Гогеном и Ван Гогом Тулуз-Лотрек совершенно непопулярен, да и норвежец Мунк до них явно не дотягивает, хотя его биография очень даже ничего: он постоянно страдал жуткой депрессией и несколько раз лечился от душевных расстройств. Несколько его картин фигурируют в списке «100 самых дорогих картин в истории», но и только.

А вот австриец Густав Климт – это действительно величайший постимпрессионист. Он популярен не менее Ван Гога, а самая его дорогая картина была куплена за 135 млн. долларов! И что самое удивительное для великого художника 20 века – на картине изображена женщина с вполне человеческим лицом. Все остальное на картине – это типичная мазня, а вот лицо получилось реалистичным. И остальные его картины, где изображены люди, похожи на эту – такие же лица среди «постимпрессионистской» мазни.




Народ Климта тоже уважает – 3 место среди лучших художников 20 века – впереди только Пикассо и Сезанн.

Перейдем к 20 веку. Как написала в своей «Истории живописи» Венди Бекетт, «в искусстве 20 века царят двое – Анри Матисс и Пабло Пикассо». Трудно сказать, почему именно эти двое, ведь таких мазил были сотни, но пути моды неисповедимы. Пабло, кстати, и по опросу читателей «Таймс» занял 1-ое место.

Испанец Пабло Пикассо в принципе умел рисовать, но не хотел. До уровня Да Винчи ему было далеко (кто не верит – посмотрите его раннюю картину «Мальчик с трубкой» – неплохую, но не выдающуюся), а просто хорошие картины в 20 веке уже были неактуальны. Мазня все больше входила в моду, и Пабло решил плыть по воле волн. И у него это отлично получилось!




В 1907 году он намалевал картину «Авиньонские девицы» – она стала первым произведением в жанре кубизма. Сначала художник стеснялся показывать эту мазню посторонним, что, в общем, понятно: с картины на вас смотрят пять совершенно жутких созданий, и показать такую галиматью окружающим – это все равно, что заявить публично: я псих! Я – полный псих! Тем не менее Пабло рискнул выставить этот маразм и не прогадал. Никто его в лечебницу не упрятал, и Пикассо продолжал портить холсты. Он претворил в жизнь постулат диалектического материализма: количество перерастает в качество. В данном случае – в репутацию. Пикассо малевал около 70 лет, и неудивительно, что он стал самым популярным мазилой нашего времени.



Его «Портрет Доры Маар» (куплен за 95,2 млн. долл. на аукционе в 2006 г., на фото вверху), «Женщина, сидящая в саду» (49,5 млн. долл. в 1999 г.), «Сон» (48,4 млн. долл. в 1997 г.), «Обнаженная в черном кресле» (45,1 млн. долл. в 1999 г.) – вошли в «золотой фонд» мазни 20 века.

Много было славных мазил в 20 веке – гораздо больше, чем великих художников в эпоху Возрождения, что неудивительно: ломать – не строить, портить холсты – не рисовать. Отметились на этой ниве и наши Вася Кандинский и Казимир Малевич – хоть и выдающиеся, но не великие мазилы по мировым меркам. Конечно, у россиян своя особая духовность, но в мазне она не слишком проявилась. К середине 20 века тон в ней стали задавать американец Поллак и голландец де Кунинг – «абстрактные экспрессионисты».


Конечно, все в нашем мире относительно, и на фоне «великих экспрессионистов» даже Моне или Гоген выглядят неплохими художниками. Оказалось, можно малевать даже хуже, чем «мазня». Искусствоведы эту высшую степень мазни назвали «абстрактным экспрессионизмом», а я бы сказал, что это совершенно маразматическая мазня! Наиболее яркими ее представителями как раз и стали Виллем де Кунинг, Джексон Поллак и с некоторыми оговорками Марк Ротко – американец русского происхождения. Я бы сказал, что эти трое – просто вершина мазни 20 века!

Абстрактный экспрессионист – это человек, который не может рисовать вообще никак. Ван Гог хотя бы рисовал на уровне 5-летнего ребенка, а вот Поллак не мог рисовать даже так. Процитирую «Историю живописи» Венди Беккет: «Поллак первым отказался от кисти, палитры и всех условностей сюжета. Он в экстазе плясал по расстеленным на полу холстам, полностью уходя в творчество, под полным контролем разбрызгивая и разливая краски. «Живопись, – говорил он, – живет собственной жизнью. Я стараюсь ей это позволить». Тут даже комментировать нечего – человек был очень-очень болен. Фото его картины это подтверждает.



Марк Ротко – еще более худший художник, чем Поллак. Вы скажете, что так не может быть – ведь я только что сказал, что Поллак не умел рисовать. Может! У Поллака картины хотя бы напоминали хаотичные обои, у Ротко – это просто холсты, раскрашенные разными красками – например, верх черный, а низ – серый. Или еще более «выдающееся произведение» – внизу малиновый цвет, вверху – какой-то темно-желтый, а по середине – белый.



Картина называется «Белый центр» и была куплена на аукционе «Сотбис» в 2007 г. за 72,8 млн. долларов. – 72 миллиона за испорченный красками холст! А это между прочим 12-е место в списке самых дорогих картин в мире! А вот самая дорогая картина в мире на сегодня (2010 г.) принадлежит именно Джексону Поллоку и называется «№ 5» – продана в 2006 г. на аукционе «Сотбис» за 140 млн. долларов! Западный мир переполнен не только безумными художниками – там полно и безумных миллионеров. Простой народ, кстати, тоже на западе на голову не очень здоровый – в опросе газеты «Таймс» Поллок занял 7-ое место среди самых популярных художников 20 века.

Его, как пишут «вечный соперник» Виллем де Кунинг в этом опросе стал 9-м. Я бы его назвал самым смешным из всех мазил. Самая дорогая картина Кунинга «Женщина № 3» (куплена в 2006 г. за 137,5 млн. долл.!) у любого здорового человека вызовет приступ смеха. Еще смешнее «Женщина с велосипедом».




Думаю с женщинами у Виллема были какие-то проблемы, и он им изощренно мстил.

На примере Поллака, Кунинга и Ротко мы хорошо видим, к чему пришел рынок искусств сегодня. Если бы Хрущев был жив – он бы сказал: к полной жопе!

Итак, благодаря волшебной силе Public Relations мазня некоторых психически ненормальных индивидов была признана выдающимися произведениями живописи и поставлена на один уровень с великими художниками Возрождения. Впервые так наглядно сила пиара проявилась именно в раскрутке мазил. До 19 века PR эффективно действовал лишь в политике (история и религия также служили политическим целям, и в отрыве от политики их рассматривать нельзя). В случае же с объявлением бездарных мазил гениальными художниками мы встречаемся с явлением, когда PR проявил себя в сфере моды. И это было так эффективно и долговременно, что и сейчас, по прошествии более века с тех пор, как мазня бездарных психопатов вошла в моду, мы встречаем множество людей, которые искренне полагают, что Ван Гог – это великий художник. Еще больше миллионов знают, кто такой Ван Гог. Несколько сотен богатых дегенератов скупает на аукционах модную мазню. Все остальные слышат то об одной многомиллионной покупке, то о другой. Ну не могут же платить 30 миллионов долларов за откровенное говно? – так рассуждает обыватель.– Могут, еще как могут…Главное, чтобы оно было модным.


Юрий Язовских



Комментарии

Нет результатов.